I migliori 20 concept-album classic rock di sempre, nella classifica del magazine Radio X

“Quando il rock si fa concettuale, riesci a seguire la storia?”. Con questa domanda, il magazine Radio X presenta la sua nuova classifica, dedicata ai migliori concept-album in ambito classic rock. 

Come è noto, il concept-album è un disco in cui tutti i brani concorrono a costruire un significato unitario, spesso sviluppando un tema centrale o raccontando una storia, che può emergere a livello musicale, testuale o narrativo. In alcuni casi, il termine viene usato per descrivere album dalla forte coesione stilistica o con un chiaro filo conduttore, sia musicale che lirico. Tuttavia, non esiste una definizione univoca: i criteri per stabilire cosa costituisca davvero un concept album variano molto e spesso suscitano opinioni contrastanti.

Questa struttura è particolarmente comune nell’art rock e rappresenta una delle caratteristiche distintive del progressive rock, ma si ritrova anche in altri generi come jazz, pop, heavy metal e hip-hop. Generi qui esclusi, perché – come detto – la lista fa riferimento solo al cosiddetto “classic rock”.

Ecco i 10 migliori concept-album classic rock di sempre, secondo il magazine Radio X (qui il servizio completo).

1. The Beatles – Sgt Pepper’s Lonely Hearts Club Band (26 maggio 1967)
2. The Moody Blues – Days Of Future Passed (10 novembre 1967)
3. Bee Gees – Odessa (febbraio 1969)
4. The Who – Tommy (19 maggio 1969)
5. The Kinks – Arthur (Or The Decline And Fall Of The British Empire) (10 ottobre 1969)
6. Jethro Tull – Thick As A Brick (3 marzo 1972)
7. Aphrodite’s Child – 666 (giugno 1972)
8. David Bowie – The Rise And Fall Of Ziggy Stardust And The Spiders From Mars (16 giugno 1972)
9. Rick Wakeman – The Six Wives Of Henry VIII (23 gennaio 1973)
10. Lou Reed – Berlin (5 ottobre 1973)
11. Yes – Tales From Topographic Oceans (7 dicembre 1973)
12. Electric Light Orchestra – Eldorado (settembre 1974)
13. Genesis – The Lamb Lies Down On Broadway (22 novembre 1974)
14. Alice Cooper – Welcome To My Nightmare (28 febbraio 1975)
15. The Alan Parsons Project – Tales Of Mystery & Imagination (25 giugno 1976)
16. Pink Floyd – The Wall (30 novembre 1979)
17. The Stranglers – The Gospel According To The Meninblack (9 febbraio 1981)
18. Roger Waters – Radio K.A.O.S. (15 giugno 1987)
19. Marillion – Clutching At Straws (22 giugno 1987)
20. Iron Maiden – Seventh Son Of A Seventh Son (11 aprile 1988)

A trionfare è dunque un classico come “Sgt Pepper’s Lonely Hearts Club Band“, del quale Alessandro Sessa nella pietra miliare di OndaRock scrive: “E’ il 1° giugno 1967, da questo momento la musica pop cambia definitivamente aspetto e contenuti: esce “Sgt. Pepper’s Lonely Heart Club Band”, ottavo album dei Beatles in cinque anni. Si può capire tutti i tratti rivoluzionari di questo lavoro solamente ascoltando la musica di quegli anni; basti ascoltare il rock’n’ roll americano anni 50 e il beat inglese dei primi 60, suo figlio legittimo. Con “Sgt. Pepper’s” i quattro ragazzi di Liverpool si permettono di rigirare come un guanto la musica contemporanea. Parafrasando tematiche politiche, si potrebbe dire che hanno condotto un colpo di stato, instaurando un regime agli antipodi col precedente senza che la popolazione si accorgesse di quanto stava accadendo, senza vedere soldati e carri armati per strada. E’ il primo concept-album di successo della storia del rock: c’è un filo conduttore, infatti, che rende il lavoro unitario e logico (…)

"Sgt. Pepper's" fully captures the spirit of change and anti-conformism of those years; the Beatles overturned every rule, and with this album they also revolutionised studio recording work, which became long and gruelling, yet more original and creative than ever before.

The lyrics move away from typical adolescent themes and the evergreen "heart-and-love" pairing to tackle more introspective subjects, relationships with fans, "metaphysical" experiences and events either directly lived by the band or drawn from the news of the day.

It's a widely shared and empirically verifiable view that nothing sounded the same after this: this kind of electronics applied to music simply didn't exist before, and finding new sounds, "making a guitar sound like a piano and a piano sound like a guitar" (John Lennon), was no easy feat. For instance, to get a different vocal sound, microphones were submerged in bottles full of water, or singers performed in awkward positions to compress the ribcage and produce a wholly distinctive voice. Then there's the grand entrance of the orchestra into a pop-rock context, following a path already explored (albeit with far less thrilling results) by the Moody Blues: the crescendo in "A Day In The Life", in fact, was performed by no fewer than 160 musicians.

The cover art is also significant: a fully colour sleeve distributed in the same version worldwide (a rarity at the time); the very term "album" was coined for, and by, "Sgt. Pepper's" — the record indeed opens up like a photo album, complete with photos, lyrics and even gadgets inside. The front cover photo is packed with more or less cryptic references: the Beatles wanted behind them the figures who had shaped their lives, but there was no shortage of unsettling inclusions too, such as Timothy Leary (the LSD theorist), Adolf Hitler, Aleister Crowley (the father of modern satanism), and the plants framing the word Beatles at their feet were, in fact, marijuana plants.

An unprecedented production, then, both aesthetically and in terms of content. A level of care and attention to detail never before seen in a piece of "popular" entertainment meant for mass consumption. With "Sgt. Pepper's", pop music was finally freed from the marginal, accessory, merely lightweight role it had been confined to until then, and took its rightful place among the forms of art.

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